El Tecolote hablando 'sin pelos en la lengua'

Creen que el artista conceptual hace lo que sea por hacerse ver

Los invito a leer la perspectiva de Arnoldo Ramirez Amaya

¿Perspectiva de el Tecolote    Creen que el artista conceptual hace lo que sea por hacerse ver ?

cambio de rosa (enap)

Maestro ernesto boesche

Algunas biografias de nuestros artistas

Guatemala posee muchos pintores que han destacado desde tiempos coloniales, con el arte Sacro, pasando por el Modernismo, y actualmente destacan el Primitivismo y el Arte Abstracto. Algunos Pintores destacados son:

  
ARTISTAS DE LA EPOCA COLONIAL

Quirio Cataño

Durante la Época Colonial Quirio Cataño destacó como uno de los más grandes escultores del Reino de Guatemala. Llegó procedente de Portugal más o menos en el año 1580, año en el que contrajo matrimonio con Catarina de Mazariegos.

Algunos especialistas coinciden en afirmar que su formación artística debió hacerse en Portugal o Italia, entre los años 1556 y 1575. Su taller estaba instalado en la Calle de los Pasos Perdidos y allí se daban cita un gran grupo de artistas que trabajaban cada uno en su especialidad. El taller de Quirio Cataño, a comienzos del siglo XVII era uno de los más grandes y mejor organizados de la Ciudad de Santiago. Sin lugar a dudas el trabajo más famoso realizado por Quirio Cataño fue la hechura de la imagen de Jesús Crucificado de Esquipulas.

Tomás de Merlo

(Guatemala, 1694 - 1739) es un pintor guatemalteco que produce su obra en los albores del barroco antigüeño. Algunos de sus cuadros se exponen actualmente en el Museo Nacional de Arte Colonial, en la Antigua Guatemala, auque hay cuadros de su autoría en algunas iglesias, tal es el caso de la pintura de la "Virgen del Pilar con las monjas fundadoras" que se localiza en la Iglesia de San Miguel de Capuchinas, en la Nueva Guatemala de la Asunción, en el cual se hace referencia a las seis monjas que fundaron el convento de las madres capuchinas, en la ciudad de Santiago de los Caballeros de Guatemala.
Las obras de Merlo en el Museo de Arte Colonial corresponden a la serie de la Pasión de Cristo (integrada originalmente por 11 pinturas), con cuadros de gran formato que fueron creados para ornar los muros de la Iglesia del Calvario, en sustitución de las pintura de Antonio Montufar, que se destruyeron en los "Terremotos de San Miguel" en 1717. Otra de sus obras es la "Apoteosis de San Ignacio de Loyola", en la que se le muestra ante un rompimiento de gloria, en una composición de dos registros, en la que, en el inferior se le muestra instruyendo a personajes alegóricos masculinos que representan a América, Ásia, África y Europa. También se puede apreciar en dicho museo una pintura de "San Salvador de Horta" en la que a diferencia de la mayoría de sus obras, no prevalecen los colores intensos que caracterizan a su paleta, de ricos tonos primarios como el rojo, blanco y azul, con una abundante gama de ocres.
Fue hijo del también pintor Thomás de la Vega Merlo y hermano de Pedro Francisco, quien practicó la misma profesión. El Museo de arte colonial se localiza en la 5a. Calle Oriente No. 5, Antigua Guatemala
FRANCISCO CABRERA
Nació en la ciudad de Guatemala el 18 de septiembre. Para 1796, cuando tenía 16 años, su maestro Pedro Garci-Aguirre lo propuso como maestro corrector de la Casa de la Moneda y la Sociedad Económica de Amigos del País.

Destacado miniaturista y retratista de finales del siglo XVIII y principios del siglo XIX, se le ha considerado como el miniaturista más genial de Latinoamérica.

Cabrera representa el auge del retrato en miniatura en Guatemala y fue en esta especialidad que ganó fama. Las miniaturas- retratos hechos sobre marfil- llegaron a varios centenares.

Otra obra importante de Cabrera fue su participación en el Atlas Guatemalteco, con mapas y planos hechos por él y Casildo España. También realizó algunas figuras de santos.

Muchas personalidades fueron partícipes de las obras de este excelente artista, ejemplo ello podemos citar el cuadro del rey Carlos IV, extraordinaria obra que le hizo merecedor de una medalla de oro.

Asimismo fue premiado por una miniatura grabada y pintada en una pequeña plancha de marfil, con la efigie dela reina Maria Luisa.

Entre sus obras más importantes podemos mencionar: el escudo del Colegio de Abogados, su participación en el Atlas guatemalteco junto con Casildo España, la obra impresa "Guatemala por Fernando VII" en la que también participó Casildo España y Manuel Portillo.

ARTE MODERNO SIGLOS XX Y XXI

Carlos Valenti

 fue un pintor nacido en Francia, que vivió la mayor parte de su vida en Guatemala. Artista dotado de innegable talento quien, a pesar de las represiones morales y los convencionalismos de una época guatemalteca perfilada por una dictadura (Manuel Estrada Cabrera), llegó a desarrollar en su corta vida una de las obras más importantes para la historia del arte del siglo XX.

Nació en París el 15 de noviembre de 1888. Fue el tercer hijo de Carlos Líbero Valenti Sorié, nacido en Génova, Italia alrededor de 1860 y de Helena Perrillat-Bottonet, nacida en Le Grand Bornand, Alta Savoya, Francia. Llego a Guatemala junto con su madre y sus dos hermanos en 1991, para reunirse con su padre el cual se encontraba ya radicado en el país desde 1888.

Desde niño se destaco como un estudiante brillante e ingenioso, en el colegio recibió la medalla de oro como el mejor alumno. Como estudiante de música de piano fue el discípulo predilecto del maestro Herculano Alvarado y posterior siendo estudiante de la Academia de Bellas Artes, llego a sorprender al profesor Santiago González por su excelente habilidad hacia el dibujo. 

Formo parte de un grupo de artistas, literatos y poetas que laboraron en gran cohesión junto a Jaime (Jaume) Sabartés Gual , catalán venido a Guatemala desde Barcelona donde compartiera una estrecha amistad  con Pablo Picasso y fuera desde 1935 su secretario privado. Valenti se perfilo en aquel cenáculo como el faro que todo lo iluminaba, supo ser un amigo y era un maestro. A los 22 años de edad tenía ya lo que se llamaba “un estilo”. Su autentico genio se manifestó desde sus inicios sin titubeos, ni vacilaciones. Para la época en que vivió, su obra era de una audacia sin límites; desde que tomo un lápiz su trazo fue rotundo y definitivo.

A través de su arte se encargo de expresar un sentimiento, de trasmitirnos su propia visión interior.  En su etapa de aprendizaje sus obras fueron muestras de habilidad y destreza a través de modelos académicos basados en métodos tradicionales. Es precisamente en la pintura de paisaje al óleo donde encontramos a un Valenti apacible y en contradicción con una figura suicida de sus últimos días. La armonía del color y el proceso de simplificación de sus pinceladas evocan el espíritu que motivó la escuela Impresionista. Sus dibujos y tintas con temas poco comunes para la época lo definen como un artista singular, en quien nació el espíritu investigador de los conflictos que suscita la existencia. Algunos lo han considerado como el primer expresionista de la pintura guatemalteca. 

En 1912 viajo a Paris, Francia, junto con el pintor Carlos Mérida para continuar sus estudios de pintura.  A los pocos días de haber llegado, visitaron a Pablo Picasso para entregarle una carta de Jaime Sabartés en la cual los refería para que los ayudara a seleccionar una academia o un maestro para sus clases de pintura. Fue así como se  inscribieron ambos en la Academia Vitti, en donde fueron discípulos del holandés Kees Van Dongen y de el español Hermenegildo Anglada Camarasa.

Con el tiempo Valenti comenzó a notar que la diabetes, enfermedad que padecía desde muy joven, perjudicaba cada día más su visión y al consultar en Paris con un  especialista, este le ordenó descansar y alejarse totalmente de la pintura. Tal situación lo hundió en una profunda depresión al verse frustrado todos sus planes y al perder el motivo principal de su existencia: el Arte.

Dos años antes había escrito: “…hay entre nosotros algunos que tienen la verdadera fe - el Arte - al cual hay que sacrificarse, pasando sobretodo, rendirle culto como a una Divinidad, sacrificarlo todo a él; vivir solo para la obra… allí en el lienzo depositar la vida entera, todo nuestro amor; pasar al cuadro todo lo no puede explicarse; vivir en él, allí depositar todo nuestro ser, todas las más santas emociones que experimenta el corazón de artista”.
Su final fue trágico, como lo ha sido el de muchos otros artistas. Al no poder entregarse totalmente a su pasión –el arte- un 29 de octubre de 1912, con dos balazos en el pecho segó su vida. Fue enterrando en el Cementerio Montparnasse en una fría y lluviosa mañana de noviembre de 1912.





Carlos Mérida
(2 de diciembre de 1891 - 21 de diciembre de 1984). Fue un pintor y escultor de origen guatemalteco, nacido en Quetzaltenango y fallecido en la ciudad de México. Su arte fue cambiante en todas sus etapas, iniciándose en un estilo europeo, y más tarde en un estilo precolombino. Su vida creativa fue desarrollada entre Guatemala y México. Fue padre de la destacada bailarina de ballet y coreógrafa Ana Mérida.

Vida y Obra

Nacido en el seno de una familia de clase media, su padre era abogado y su madre, de origen español, fue maestra de escuela. En su adolescencia comenzó a estudiar escultura, pero sus profesores le convencieron de cambiar a pintura. Viajó en su juventud a Europa, junto con el también pintor guatemalteco Carlos Valenti. En 1919 se trasladó a México, donde se destaca en la renovación del muralismo mexicano. En 1922 Mérida trabajó con Diego Rivera para pintar los murales del Anfiteatro Bolívar en la Ciudad de México. Junto con Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros fundó el Sindicato de Obreros, Técnicos, Pintores y Escultores. Su primer obra personal fue en 1923 cuando pintó la Biblioteca Infantil del Ministerio de Educación Pública de Guatemala ("Caperucita roja y los cuatro elementos"). En 1927 regresó a París, donde estuvo dos años y contactó con Paul Klee, Miró y las nuevas corrientes artísticas; como resultado de ello abandonó la figuración política para desarrollar una etapa marcada por la abstracción en la forma y sus raíces indígenas en los temas. Mérida siempre publicó con orgullo su ascendencia maya-quiché y española. A la vuelta de su viaje a París, en 1929, fue nombrado director de la Galería del Teatro Nacional en México, y tres años más tarde dirigió la Escuela de Danza.¹

En 1940 participó en la Exposición Internacional Surrealista celebrada en México. Un año más tarde fue nombrado profesor de arte en el North State Teacher College en Denton, Texas, y a partir de 1949 comenzó sus investigaciones sobre integración de las artes, aplicando los resultados en los murales que realizó para la Secretaría de Recursos Hidráulicos (1949), para el centro infantil del multifamiliar "Miguel Alemán", de [Av. Coyoacán] (1950), y para el edificio multifamiliar "Presidente Juárez", en la ciudad de México (1950-1952) [Av. Cuauhtémoc]; en este último la temática se centró en torno a una serie de leyendas mexicanas acerca del origen del mundo —"El Popol Vuh" (aludiendo al libro antiguo descubierto en Guatemala de los maya-quichés, "Los ocho dioses del olimpo mexicano", "El Ixtlexilt", "Los cuatro soles"—. Los multifamiliares Juárez y los murales fueron severamente dañados por el temblor del 19 de septiembre de 1985.

Desde 1950 su arte experimenta ciertos cambios y su obra ofrece un estilo más próximo al constructivismo, como se observa en el edificio de Reaseguros Alianza de la ciudad de México, cuyo mural "Estilización de motivos mayas" (1953) está realizado en mosaico de vidrio. Con esta misma técnica, en la década de 1950 realizó diversos murales para empresas comerciales y privadas mexicanas. También en 1956 realizó, en el Palacio Municipal de Guatemala, un mosaico de vidrio (La mestiza de Guatemala). Desde entonces, Mérida alternó la realización de murales para México y Guatemala, en los que dominaban motivos abstractos y constructivos. Con el espíritu innovador que le caracterizaba, en 1964 hizo un muro vitral en la sala "Cora Huichol" (Los adoratorios) del Museo Nacional de Antropología de México D.F. y en 1968, otro en el Centro Cívico de San Antonio (Texas) (La confluencia de las civilizaciones en América). En 1965 recibió la medalla de oro de la Dirección General de Cultura y Bellas Artes de Guatemala, y en 1980 "Orden del Águila Azteca" de la Secretaría de Relaciones Exteriores de México.

Rafael Rodríguez Padilla
 fue un escultor y pintor, que nació en la capital de Guatemala el 23 de enero de 1890 y se suicidó por motivos políticos el 24 de enero de 1929, a los 39 años de edad.
Estudió en Guatemala en el taller de Justo de Gandarias y con el escultor venezolano Santiago González. Bajo la influencia de Jaime Sabartés fue otro de los artistas que viajó al extranjero para conocer de cerca los movimientos de vanguardia. Viajó a Madrid, España donde ingreso a la Academia de San Fernando para hacer estudios de pintura. Estudió con el escenógrafo, pintor y escultor Luis Muriel y López. Primer representante de una familia de larga tradición artística, entre los que se cuentan Jacobo Rodríguez Padilla, hijo suyo, Zipacná de León e Iván Rodríguez (nietos), entre otras figuras artísticas muy conocidas en Guatemala.
Pintura
En España conoció la obra del impresionista Joaquín Sorolla, la cual influiría en la mayoría de su producción pictórica. Aunque el impresionismo era ya un estilo que había dejado de tener vigencia en Europa, Rodríguez Padilla profesó una profunda admiración por el artista español, cuya huella puede percibirse en toda su producción pictórica. Retornó a Guatemala en 1916.
Su pintura tuvo variadísimos cambios, todos aplicados con maestría. Su primera época, antes de su viaje a España, se caracteriza por pintura de tonos obscuros. Posteriormente, como gran colorista, supo imprimir a sus obras matices y atmósferas de extraordinaria luminosidad, especialmente en los retratos de diferentes personalidades de la época. De sus obras más características se encuentran “Desnudo en escorzo”, “Desnudo del reflejo”, “Retrato de Jaime Sabartés”, “Retrato de Dr. Manuel Morales”, “Retrato de Juana Padilla” (premio Centroamericano de pintura), “Retrato de Eduardo de La Riva”, “Retrato de Adalberto Saravia”.
El mismo proceso del claroscuro a la luminosidad se nota en sus bodegones, intermedio de estos es “El Tamal” (Museo Nacional de Arte Moderno de Guatemala). En los últimos años de su vida el artista se acercó a las soluciones geométricas del cubismo. En esta breve etapa produjo tres únicos bodegones donde introdujo elementos de la artesanía guatemalteca y la tendencia general de americanizar las obras. Uno de estos lleva por título “Pelando Papas” el cual fue exhibido en Estados unidos y México en una exposición itinerante de la Universidad de Yale.
Participó en varias exposiciones colectivas. Obtuvo el Premio Nacional en 1920y el primer premio en pintura en la Exposición Centroamericana del 15 de septiembre, en 1921
Escultura
Entre sus obras más conocidas se encuentran los monumentos dedicados a José Milla y Vidaurre (Parque Gómez Carrillo), Medallón de Beethoven (Conservatorio Nacional) José María Orellana (Tipografía Nacional), Francisco Vela, El Cristo (Iglesia de Malacatán), Luis Pasteur (Facultad de Medicina) y Lorenzo Montufar (primera escultura fundida en bronce en Guatemala, ubicada en la Avenida de la Reforma), que hizo junto con el español Cristóbal Azori. Hizo además un mausoleo para la familia Castillo, en el Cementerio General. Impartió clases de dibujo y fue fundador y primer director de la Academia Nacional de Bellas Artes 1922, conocida ahora como Escuela Nacional de Artes Plásticas, que lleva su nombre

ALFREDO GÁLVEZ SUÁREZ

Este ilustre pintor nació en la Ciudad de Cobán, Alta Verapaz en el año de
1899 y murió en la ciudad de Guatemala en el año de 1946.  Se inició en la pintura
a muy temprana edad. Su primer maestro el artista español Don Justo de Gandarias.
    Salió del país en el año de 1923, disfrutando de una beca que le fue concedida
 por la Secretaría de Educación de México, pero más tarde fue pensionado por el
Gobierno Guatemalteco para que prosiguiera sus trabajos en aquel país.
   La obra de este artista ha sido exhibida con gran éxito en los principales centros
artísticos de los Estados Unidos de Norteamérica, como el Museo de Baltimore,
 el Museo de Los Ángeles, y en la Feria Mundial de Nueva York en 1940. 
   Alfredo Gálvez Suárez es el autor de los seis murales que embellecen las pare-
des del Palacio Nacional de Guatemala y cuyo tema es: “La nacionalidad guatemalteca .
Sus obras más conocidas son "Deidades Mayas" y "El Choque".
   Sirvió varias cátedras en la  Academia de Bellas Artes, y en el año de 1945 impartió varias conferencias sobre pintura en la Universidad de Nuevo México, donde fue nombrado profesor del Colegio de Bellas Artes. En esta oportunidad, el maestro Gálvez Suárez exhibió sus mejores obras y recibió excelentes comentarios y elogios.
 
 Sus cuadros figuran en las mejores pinacotecas de Guatemala, México y los Estados Unidos. Alfredo Gálvez Suárez mereció ocho primeros premios en diversos concursos nacionales de pintura y un premio especial en México por su cuadro “Las tejedoras”.
   Su obra reproducida en papel moneda de Guatemala y su contribución en el diseño publicitario de los años 30 y 40, es del todo desconocida. Podría afirmarse que Alfredo Gálvez Suárez es un pionero de la publicidad en  nuestro país.
Dentro de su producción también destaca la pintura "Los aguadores de Chichicastenango”, que se encuentra en el Museo Nacional de Arte Moderno “Carlos Mérida”.
Este artista puede ser ubicado entre los pintores académicos de Guatemala

HUMBERTO GARAVITO
Nació en la Ciudad de Quetzaltenango, el 26 de Enero de 1897, hijo de Don Agustín Garavito y de Doña María Suasnavar de Garavito.
Hizo sus primeros estudios en el Instituto de Varones de Occidente, siendo su primer maestro de dibujo Don Joaquín Gutiérrez. Su carrera como pintor puede decirse que comenzó en el año 1912; de esa época data la primera mención que hizo de él un crítico del arte: Jaime Sabartés, quien más tarde fuera secretario de Picasso y quien residió en Quetzaltenango a principios del siglo XX.
En 1916 realizó su primera exposición personal, incluyendo en la muestra de sus primeros intentos como retratista.
En 1919 realizó un viaje hacia México e ingresó en la Academia de San Carlos. Permaneció allá hasta 1921. Al regresar a Guatemala ganó un certamen para efectuar estudios en Europa. Sin embargo, este premio nunca le fue entregado y decidió marcharse por cuenta propia. Estudió primera en la academia de San Fernando en Madrid (1922) y más tarde se trasladó a París. Hizo viajes de estudio y visitas de museos en Alemania, Italia y Bélgica. En 1925 inauguró una exposición personal, con gran éxito, en la Galería “Carmine” en París. La crítica fue muy favorable. Miguel Angel Asturias la trasmitió a Guatemala. De esa época son los retratos de los escritores guatemaltecos Enrique Gómez Carrillo y Luis Cardoza y Aragón.
Regresó a Guatemala en 1927 y a principios de 1928 fue nombrado Director de la entonces Academia Nacional de Bellas Artes, cargo que desempeñó hasta 1935. En 1937 fue nombrado delegado del Gobierno de Guatemala a la Exposición Panamericana de Dallas, Texas y tuvo a su cargo la preparación y organización de stand de nuestro país.
Realizó un sinnúmero de exposiciones personales y participó en muestras colectivas, tanto nacionales como extranjeras. Entre éstas últimas: Baltimore en 1933; Dalas en 1937; New Orleáns y la Unión Panamericana de Washington, D.C. en 1948; y, en la Galería Binet de Nueva York, en 1949.
En 1945 publicó un pequeño libro ilustrado y documentado dando a conocer sobre la vida y obra del gran miniaturista guatemalteco Francisco Cabrera; y preparó, además una exposición sobre dicha obra.
Entre sus últimos trabajos se encuentran los murales realizados a fines de los años 60, en la Catedral de la Ciudad de Guatemala, que evocan diferentes épocas de la Iglesia en Guatemala; y, los retratos de los cuatro Evangelistas en la Iglesia de San Francisco de la Antigua Guatemala.
Su última exposición personal la realizó en Noviembre de 1969 en la Escuela de Artes Plásticas de la Ciudad de Guatemala.
Principales premios y honores que recibió durante su vida:
Sociedad de Artesanos de Quetzaltenango. Septiembre, 1918.
Certamen en Conmemoración del Centenario de la Independencia. Septiembre, 1921
Homenaje al Mérito. Ciudad de Quetzaltenango. Junio, 1926.
Segundo Premio de Pintura. Gobierno de Guatemala. 1935.
Pan American Exposition. Dallas, Texas. 1937.
Gran Premio Nacional de Pintura. 1938.
Gran Premio Nacional de Pintura. 1939.
Gran Premio Nacional de Pintura. 1946.
Orden del Quetzal. 1958.
Falleció en la ciudad de Guatemala, a los 73 años, el día 1º. de Junio de 1970. Fue enterrado en el panteón de su familia en el Cementerio de la Ciudad de Quetzaltenango

GENERACION DEL 40

Dagoberto Vásquez Castañeda
(2 de octubre de 1922-21 de junio de 1999) fue un escultor, pintor y grabador guatemalteco. Fue parte de la Generación de 1940 y del grupo Acento. Dentro de su aporte artístico se encuentran varios murales de su creación en la ciudad de Guatemala. Su estilo, de gran sintetización formal y compositiva, posee un distintivo de sobriedad, plasticidad y elegancia (Móbil, 2002).
Vásquez Castañeda nació el 2 de octubre de 1922, en la ciudad de Guatemala (Haeussler, 1983). Estudió en la Academia Nacional de Bellas Artes de 1937 a 1944, así como en la Escuela de Bellas Artes y la Escuela de Artes Aplicadas de Santiago de Chile, en Chile, de 1945 a 1949. También hizo estudios en la Facultad de Humanidades de la Universidad de San Carlos de Guatemala, de 1956 a 1959 (Móbil, 2002).

El artista tuvo a su cargo los cursos de dibujo geométrico en el Instituto Técnico Vocacional, Instituto Rafael Aqueche y en la Escuela de Artes Plásticas. En 1953, esculpió dos importantes piezas de marmol y talla directa: Los Luchadores y La Familia. Entre 1968 y 1989 ocupó el cargo de Director del Departamento de Arte Folclórico de la Dirección de Bellas Artes. Fue también uno de los iniciadores de la integración del arte en espacios urbanos, tarea que emprendió en 1955 cuando colaboró con el arquitecto Roberto Aycinena en la talla de un mural lateral del Palacio Municipal. En 1964 inició un segundo relieve para el Proyecto del Centro Cívico, esta vez en el Banco de Guatemala, que lleva por título Economía y Cultura (Diccionario Histórico Biográfico de Guatemala, 2004).
Vásquez Castañeda fue uno de los más destacados y polifacéticos artistas de la Generación de 1940. También fue ayudante del maestro Julio Urruela en la realización de los vitrales del Palacio Nacional (Móbil 2002). Falleció en la ciudad de Guatemala el 21 de junio de 1999 (Diccionario Histórico Biográfico de Guatemala, 2004).

Principales obras
Entre otras participaciones, Vásquez Castañeda fue finalista en el Certamen Internacional de Cultura -en Londres, Inglaterra en 1953- sobre el tema El Prisionero Político Desconocido. En la avenida de Las Américas, de Quito, Ecuador, se encuentra un busto de Tecún Umán, que realizó en 1961 (Móbil, 2002).
Dentro de sus obras principales se encuentra Palomar, Comunicación Humana -óleo-, Canto a Guatemala -relieve en el muro al oriente del Palacio Nacional-, Cazadores -relieve en madera-, Columna de Pájaros -bronce soldado-, Tecún Umán -bronce- y Ocios Humanos -relieve en concreto-. También se encuentran Carcajada, Ejecución, Los Fundadores, La Llamada, Columna de Pájaros, Cristo -en la Iglesia San Ignacio de Loyola en la zona 10 de la ciudad de Guatemala- y El Fuego (Haeussler, 1983).

En cuanto a murales elaborados por el artista en mención, se encuentran: Las Fuentes de la Vida -mosaico- en el Instituto de Nutrición de Centroamérica y Panamá -INCAP-, El Arribo -relieve en madera- en el Banco Inmobiliario y El Ánimo. Su única pintura mural a lo largo de su trayectoria artística fue El Indígena en la Cultura Guatemalteca, destinado al Museo Nacional de Arqueología y Etnología de Guatemala (Diccionario Histórico Biográfico de Guatemala, 2004).
En julio de 1996, la Fundación Paiz le dedicó una exposición-homenaje. En marzo de 1999, el Gobierno de Guatemala le otorgó la máxima condecoración artística guatemalteca, la que lleva el nombre de Carlos Mérida.

JUAN ANTONIO FRANCO
(1920-1994) Nacio en la ciudad de Guatemala. Abandono sus estudios en la escuela nacional de agricultura e ingreso a la entonces denominada academia de bellas artes en la cual estudio hasta 1941
Estudió con Rafael Yela Günther, Ovidio Rodas Corzo, Enrique Acuña y Antonio Tejeda Fonseca. Fue miembro del grupo “Acento” de la generación del 40.

En México estudió pintura mural y fresco; trabajó con Frida Kahlo, Diego Rivera, y Clemente Orozco; y realizó grabados bajo la dirección de Leopoldo Méndez y Pablo o Higgins.

Ganó una beca para estudiar “restauración de obras”, en la galería Uffizi de Florencia, y “museología” en la escuela del Museo del Louvre.
Fue catedrático de la escuela de artes plásticas, de la Universidad Popular, y restaurador en el instituto nacional de antropologia e historia.

Innumerables son sus participaciones en exposiciones, trabajos realizados y premios recibidos en muchos países.

Guillermo Grajeda Mena
Guillermo Grajeda Mena (1 de octubre de 1918 - 5 de junio de 1995) fue un pintor, dibujante y escultor guatemalteco, además de grabador y caricaturista. Es considerado uno de los mayores exponentes de las artes plásticas en la historia de Guatemala. Su obra más famosa es el mural del ala poniente de la Municipalidad de Guatemala, realizada en 1957 (Móbil, 2002).
Grajeda Mena nació el 1 de octubre de 1918 y desde 1936 (a sus 18 años) estudió en la Academia Nacional de Bellas Artes, en donde fue discípulo de Rafael Yela Gunther (Móbil, 2002) y también de Julio Urruela (Aguilar, Villatoro, Santizo y Godoy, s.f.). En la Academia Nacional de Bellas Artes fundó, en 1941, la Asociación de Profesores y Estudiantes de Bellas Artes, junto con Dagoberto Vásquez y Mario Alvarado Rubio.
El Gobierno de Guatemala le otorgó, entre 1945 y 1948, una beca para estudiar fundición en bronce y talla directa en la capital de Chile, Santiago de Chile (Móbil, 2002), específicamente en la Escuela de Artes Aplicadas (Aguilar, Villatoro, Santizo y Godoy, s.f.)
En cuanto a su vida laboral, a su regreso de Chile, el artista fue decorador de museos en 1948, catedrático del curso de Modelado en la Facultad de Arquitectura de la Universidad de San Carlos de Guatemala desde 1958 y director del Museo Nacional de Historia de Bellas Artes en 1967. Fue parte también de la Corporación de Escultores y Plasticistas de Guatemala en 1953, del Consejo directivo del Instituto de Antropología e Historia de Guatemala en 1959, de las Academias de Historia de Costa Rica y de España en 1959 al igual que de la Academia de Geografía e Historia de Honduras en 1968 (Móbil, 2002).
Es identificado como uno de los más relevantes exponentes del arte plástico guatemalteco, de acuerdo a la última fuente citada, quien también lo incluye como integrante de la Generación del 40, que reunió a artistas plásticos, músicos e intelectuales.
En cuato a su estilo, su arte era realista aunque no se enmarcaba en una sola corriente (Aguilar, Villatoro, Santizo y Godoy, s.f.), pues la originalidad de sus dibujos y pinturas se aísla de tal manera que lo hace autodidacta.
Principales obras
Dentro de las principales obras de Grajeda Mena se encuentran el mural del ala poniente de la Municipalidad de Guatemala en 1957 denominado La Conquista, el mural del Museo Arqueológico de la Democracia en 1972 en el departamento de Escuintla denominado La Cultura Olmeca, el mural en la Academia de Geografía e Historia de Guatemala en 1981 (Aguilar, Villatoro, Santizo y Godoy, s.f.), Cristo Arcaico en madera en 1952 y retratos en yeso de Rafael Yela Gunther en 1942 (Móbil ,2002).
Ganó múltiples premios a nivel nacional e internacional.

Rodolfo Galeotti Torres

 (4 de marzo de 1912 - 22 de mayo de 1988) fue un escultor guatemalteco, originario de Quetzaltenango. Fue director de la Academia de Bellas Artes de 1947 a 1954. Sus obras de mayor trascendencia fueron el Monumento a Tecún Umán en Quetzaltenango y el Monumento a Atanasio Tzul en Totonicapán, entre otros (Móbil, 2002)

  Galeotti nació en Quetzaltenango, de acuerdo a "Galeotti Torres" (2007), que lo identifica como el artista más representativo del período revolucionario entre 1944 y 1954. Era hijo único de un inmigrante italiano en Guatemala, Andrés Galeotti Baranttini y de María Concepción Torres. Se graduó como Bachiller en Ciencias y Letras en 1931 del Instituto Normal para Varones de Occidente y tres años después, en 1933, recibió el título como Profesor Honorario de la Academia de Bellas Artes de Carrara, en Italia.

En 1947 se convirtió en director de la Academia de Bellas Artes, puesto que ocuparía hasta 1954. Durante su gestión, se cambió el nombre de Academia de Bellas Artes a Escuela de Artes Plásticas. También efectuó cambios importantes, tales como la incorporación al claustro de los artistas Dagoberto Vásquez, Grajeda Mena, Arturo Martínez y Arturo García Bustos.

Se instituyeron nuevas cursos, como el de grabado y talla y además se otorgaron becas internacionales (Móbil, 2002).

En cuanto a su estilo, la última fuente citada indica que era un realismo socialista, cuya técnicas eran la talla directa y la fundición.

Principales obras

Entre las obras principales del escultor se encuentran Obelisco de la Victoria (Quetzaltenango, 1935), Tríptico de la Revolución de 1944 en el Barrio La Reformita (Guatemala, 1945), Decoraciones del Palacio Maya (San Marcos), La Universidad Popular se abre al Pueblo (Guatemala), Doña Dolores Bedoya de Molina (Guatemala), Monumento a Tecún Umán (Quetzaltenango, 1968), Monumento a Manuel Tot (Alta Verapaz), Monumento a Atanasio Tzul (Totonicapán) y Monumento al Paracaidista (Escuintla), Jugador Maya de Pelota y Centro Financiero (Guatemala) (Móbil, 2002).

Roberto González Goyri

Roberto González Goyri (1924 - 13 de noviembre de 2007) fue un escultor y pintor guatemalteco. Sus obras fueron expuestas en varios lugares a nivel internacional, incluyendo el Museo de Arte Moderno de Nueva York (Móbil, 2002). También fue director de la Escuela Nacional de Artes Plásticas (Móbil, 2002).

González Goyri, que nació en 1924 -la fecha exacta no ha sido comprobada- , estudió en la Academia Nacional de Bellas Artes a principios de la década de 1940. En 1948, fue becado por el gobierno de Juan José Arévalo para estudiar en Nueva York, específicamente en el Student's League y el SculptureCenter, hasta 1951. También realizó estudios en España y Francia (Elías, 2007).

En 1957, asumió la dirección de la Escuela Nacional de Artes Plásticas y contribuyó a su reorganización con el respaldo de un proyecto de Dagoberto Vásquez.

En opinión de Móbil (2002), su pintura era de rico colorido y delicados efectos, en composiciones de gran variedad formal, tonal y de textura. Su estilo era figurativo abstracto y en cuanto a sus técnicas, destacaban el óleo, pastel, acuarela y especialmente acrílico. Su escultura, por otro lado, se caracterizó por la sintetización de figuras humanas y sus técnicas eran la fundición en bronce y concreto, metal directo, talla en madera, piedra y mármol.

Aguilar, Villatoro, Santizo y Godoy (s.f.) analizan su estilo de exposiciones dentro de una figuración abstracta, cuya técnica y colorido ha influido en las generaciones actuales. Agregan que fue discípulo de Julio Urruela.

González Goyri murió el martes 13 de noviembre de 2007 en Guatemala, a sus 83 años. Cuatro días antes había inaugurado su última exposición con la retrospectiva más grande que se haya hecho de su obra (Elías, 2007).

Principales exposiciones

El escultor y pintor ha expuesto nacional e internacionalmente. Afuera de las fronteras del país lo hizo en la Roko Gallery de Nueva York, Tate Gallery de Londres, Unión Panamericana de Washington D.C., Organización de Estados Americanos en Washington D.C., Bienal de São Paulo en Brasil y La Galería en Quito, entre otras (Móbil, 2002).

De acuerdo con Elías (2007), también tiene piezas en colecciones como la del Museo de Arte Moderno de Nueva York, la biblioteca Port Royal de París y el Museo de Arte Moderno de Guatemala.

Principales obras

Entre sus principales obras se encuentran los murales en relieve en el Instituto Guatemalteco de Seguridad Social y en el Banco de Guatemala (fachada poniente), Monumento a Tecún Umán (frente al Zoológico La Aurora), mural en madera en la Iglesia de la Villa de Guadalupe, El Portador de Fuego (pintura en acrílico de la Colección Permanente del Museo de las Américas en Washington D.C.) y mural en acrílico La Religión en Guatemala, sus raíces prehispánicas, coloniales y sincréticas contemporáneas de 30 metros por 2.70, realizado en 1992 en el Museo Nacional de Arqueología y Etnología de Guatemala. (Móbil, 2002)

Max Saravia Gual

Max Saravia Gual (28 de septiembre de 1919 - 1995) fue un escultor, pintor y escenógrafo guatemalteco, que fungió como director de la Escuela Nacional de Artes Plásticas y de la Escuela Dominical de Artes Plásticas del Cerrito de El Carmen (Móbil, 2002).

Saravia Gual nació en Guatemala el 28 de septiembre de 1919. Fue discípulo de grandes artistas como Enrique Acuña, Julio Urruela y Carlos Rigalt en la Escuela Nacional de Artes Plásticas -ENAP-, de la que llegó a ser director en 1969 (Haeussler, 1983).

Durante su gestión como director de la ENAP hizo estudios sobre el pénsum y proyectó un plan general de estudios que hizo posible otorgar diplomas de estudios técnico artísticos y de bachiller en arte, con el respaldo del Instituto de Bellas Artes (Móbil, 2002).

Durante su gestión también se construyó el nuevo edificio de la Escuela y se efectuó el traslado de la misma. Además, dirigió también la Escuela Dominical de Artes Plásticas en El Cerrito de El Carmen (Móbil, 2002).

Saravia Gual falleció en la ciudad de Guatemala en 1995. La Escuela de Arte al Aire Libre de El Cerrito de El Carmen lleva su nombre (Diccionario Histórico Biográfico de Guatemala, 2004).

En cuanto a su obra, tenía un estilo figurativo, surrealista y cubista. Sus técnicas eran al oleo, acuarelas, lápiz, pastel, talla directa, fundición, papel engomado y construcción directa en concreto. Los temas más utilizados eran la figura humana, temas urbanos, marginales y campesinos (Móbil, 2002).

Principales obras

Entre sus obras están Amantes, Mujer reclinada, y Maternidad (Haeussler, 1983).

Efraín Recinos

Efraín Recinos, (Quetzaltenango, 15 de mayo de 1928-Ciudad de Guatemala, 2 de octubre de 2011) fue un pintor, escultor, inventor e ingeniero, multifacético e ilustre exponente de la plástica guatemalteca. Hizo una cantidad amplia de obras, pero entre sus principales creaciones están los diseños, construcción, ornamentación y pintura del Centro Cultural Miguel Ángel Asturias -Teatro Nacional de Guatemala- en 1978, el frontón en relieve del edificio del Crédito Hipotecario Nacional, el mural escultórico de la Biblioteca Nacional y las Fuentes del Parque de la Industria, entre otras (Móbil, 2002).

Vida

Sus padres fueron María Trinidad Valenzuela Micheo y José Efraín Recinos Arriaza. Fue el mayor de tres hermanos: Clemencia, Ana María y Efraín ('Biografía de Efraín Recinos', s.f.).

Aprendió a leer y escribir a los 7 años. La marimba, el violín y la mandolina fueron instrumentos que sus manos empezaron a tocar a corta edad. A los 8 años empieza a hacer pequeños paisajes al óleo. Luego a los 13 años, superó en edad a sus compañeros de cuarto grado primaria en la Escuela Costa Rica. Y a esa edad ya devoraba libros, incluido El Quijote de la Mancha ('Biografía de Efraín Recinos', s.f.).

Estudió la primaria en la escuela República de Costa Rica y la educación secundaria en el Instituto Central para Varones. Desde muy pequeño dibujaba y leía con ahínco. De joven vendía sus dibujos en la calle para poder comprarse los materiales de dibujo y seguir practicando. Por esa época se interesó también en el deporte (Sandoval, 2011).

Más tarde se decidió por la ingeniería –en ese tiempo no existía la carrera de arquitectura en Guatemala– y fue alumno destacado en la Universidad de San Carlos de Guatemala, lo que le valió el puesto de Jefe de Sección de diseño de obras públicas, en el Gobierno. Pero además de ingeniero y deportista, Recinos fue un artista único, escultor, pintor y arquitecto (Sandoval, 2011).

En 1967, se casó con la mujer que lo conquistó años atrás, Elsa, con quien procreó a su única hija, Lorena. Al año siguiente, en 1968 y por espacio de casi un año fue a estudiar cerámica, mosaico y vidrio soplado al Instituto Politécnico de Leicester, Inglaterra. En este tiempo nace Lorena ('Biografía de Efraín Recinos', s.f.).

Escobar (2011) recuerda que en un documental sobre su vida, se establece que Recinos comenzó a dibujar salvajemente, como él mismo lo cuenta, a la edad de seis años. Su dibujo fue espontáneo. Su padre jamás influyó en él y se limitó a guardar cuidadosamente todo lo que hizo. No lo envió a la escuela porque decía que los otros niños le podían enseñar malcriadezas. Sus temas recurrentes fueron grandes batallas, monstruos, héroes y bellas damiselas que merecían ser rescatadas. A los 12 años recuerda que dejó de pintar como un niño aunque en realidad jamás lo hizo. Su dibujo infantil carece de las características usuales en los demás chiquillos y refleja tal madurez que lo hace caer en la excepcional categoría de niño prodigio de la pintura.

Una segunda etapa en la trayectoria del maestro Recinos llega a finales de la década de 1940, ya durante el ejercicio democrático de la Revolución de Octubre. Según la revista de la Escuela Nacional de Artes Plásticas Rafael Rodríguez Padilla, el artista ingresa, hacia 1947 o 1948 en dicha institución. Eso significa que generacionalmente queda ligado a una serie de nombres enlatados por intereses académicos bajo la etiqueta de la generación del 50, como Rodolfo Abularach, quien desarrollaría una brillante carrera en la ciudad de Nueva York. Ambos estuvieron ligados a otros artistas desvanecidos en la historia: Miguel Alzamora Méndez, Víctor Manuel Aragón, Rina Lazo, Óscar Barrientos, Miguel Ángel Ceballos Milián, Juan Adalberto Cu Caal, Eduardo de León, Adalberto de León Soto, Wilfreda López Flores o Guillermo Rohers Bustamante (Escobar, 2011).

Dagoberto Vásquez Castañeda, Guillermo Grajeda Mena, Roberto González Goyri, Efraín Recinos y Carlos Mérida marcan, a partir de 1955, el inicio de la parte álgida del modernismo con sus enormes e indiscutibles propuestas del Centro Cívico, trabajo que abarca unos 30 años y que culmina con la inauguración del Teatro Nacional en 1978, obra cumbre de Efraín Recinos (Escobar, 2011).

Lo relativo de una nueva temporalidad en la trayectoria de Recinos se inicia con la subasta de arte Juannio, en 1965. O con la subasta rotaria, una década después. Siguiendo los registros de estas dos entidades, todavía vigentes y con importancia en ascenso, sumadas a las de nuevas actividades que se mueven dentro del género de recaudación por medio de obras de arte, la presencia de Efraín Recinos desde la década de 1970, además de ser continua, es de vital importancia en la existencia de cada una de ellas. Esto significa que su lapso de acción e influencia con obra de taller no solo es conocida por posibles coleccionistas, sino también es apreciada y estudiada por los nuevos colectivos artísticos. En sus últimos años se le podía ver en Santo Domingo del Cerro, (Antigua Guatemala), interviniendo el megaproyecto de la familia Castañeda a la par de artistas jóvenes como Josué Romero o Marlov Barrios, solo para citar algunos. El lapso de acción no ha terminado porque Recinos siguió produciendo obra de taller y monumentos públicos y particulares sin descanso (Escobar, 2011).

Su estilo fue figurativo abstracto, futurista y surrealista. Sus técnicas son al oleo, laca, acrílico, plástico, metal, cemento, y madera, entre muchos otros. En cuanto a sus temas, hay prehispánicos, sociales, folcloristas y también de libre creatividad (Mobil, 2002).

El artista no pudo ver terminado su último proyecto: el Instituto de la Marimba. Este era un edificio majestuoso que simulaba la forma de una marimba y albergaría una escuela para cultivar este arte y un centro de investigación del instrumento. Esa era otra de sus pasiones, tocar la marimba (Sandoval, 2011).

Recinos murió en la madrugada del 2 de octubre de 2011, después de haber ingresado al hospital Hermano Pedro el 30 de septiembre, debido a una complicación gastrointestinal. Según sus familiares, falleció tranquilo y con calma (Herrera, 2011).

Principales obras

Estado de Sitio,El pintor, Pintura con nueve estorbos. Música Grande, Murales en Parque de la Industria, Mural del Crédito Hipotecario Poniente, Murales exteriores de la Terminal Aérea, Murales Biblioteca Nacional, Murales del Conservatorio, Mural Hotel Intercontinental

Rina Lazo

Rina Lazo, nace en Guatemala el 23 de octubre de 1923. En un momento de su niñez viaja con sus padres y hermanos a Cobàn, donde viven una temporada que marca la infancia de la artista por su contacto con la etnia maya quichè. Al volver a la capital, realiza estudios en la “Academia Nacional de Bellas Artes”, hoy Escuela Nacional de Artes Plásticas y asiste al maestro Julio Urruela en la realización de los murales del Palacio Nacional. Su primer obra premiada se tituló “ Por los caminos de la libertad” de 1944.

En 1942, luego de obtener una beca por sus dotes artísticos en la Academia, se traslado a México a continuar estudios, e ingresa a la escuela de arte La Esmeralda, por consejo del maestro guatemalteco Juan Antonio Franco, que en aquel momento se encontraba estudiando ahi.

Por su talento, Rina fue seleccionada para asistir al maestro Diego Rivera en la elaboración del mural “Sueño de una tarde dominical en la Alameda Central” del Hotel del Prado en el D.F, convirtiéndose en mano derecha del muralista mexicano, en la elaboración de otros murales hasta su muerte en 1957, integrándose así al movimiento muralista en ese país.

Rodolfo Abularach

Rodolfo Abularach (7 de enero de 1933 en la Capital de Guatemala) es un pintor, escultor y grabador guatemalteco, de descendencia palestina, que se ha centrado principalmente en obras artísticas del ojo humano (Yagüe, 2009)

Vida artística

Abularach, cuya descendencia es palestina (Marín, 2000), tuvo su primera exposición fue a los 14 años, en una galería desconocida en la sexta Avenida de la zona 1 de la Ciudad de Guatemala. Estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de Guatemala de 1947 a 1954, y después emigró a Nueva York, Estados Unidos, donde estudió en el Centro de Artes Gráficas y Estudios Artísticos de Nueva York, con una beca del gobierno de Guatemala (Yagüe, 2009).

El artista ha expuesto su obra en países de América del Sur, así como Nueva York (Yagüe, 2009).

Abularach utilizó el surrealismo y el figurativismo para revitalizar los temas tradicionales de Mesoamérica. Dibujar y pintar se convirtió en su forma de arte favorita porque le permitió explorar la luz y las sombras (Culture and Customs of Guatemala, 2001).

El pintor guatemalteco ha obtenido fama a nivel latinoamericano por un tema que aparentemente se convirtió en una obsesión para él en sus representaciones artísticas: un gran ojo abierto ("A cultural history", 1998).

En el año 2010, la Fundación Rozas Botrán nombra a Abularach como Artista del Año en el XII Festival Intercontinental de Arte en mayo 2010

Manolo Gallardo

Manolo Gallardo (Guatemala, 10 de junio de 1936-) es un pintor, escultor, dibujante y retratista que ha destacado dentro del arte guatemalteco. Su pintura, de impecable técnica académica pero de elegante soltura, abarca desde el retrato hasta el surrealismo, pasando por la interpretación de diversos temas históricos, mitológicos, folclóricos y políticos. Ha recibido más de 50 premios en su carrera por su trayectoria, incluyendo la Orden del Quetzal en 1995 y el grado de Emeritissimum de la Universidad de San Carlos de Guatemala (Móbil, 2002).

Vida

El pintor estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, a mediados de la década de 1950. De 1957 a 1965 estudió alternadamente pintura y escultura, incluída la fundición de bronce en España, en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Academia Artium y la de Eduardo Peña (Mobil, 2002).

Su estilo era básicamente realista y surrealista. Sus técnicas principales eran el óleo, lápiz, crayón y carboncillo. En escultura, modelado en barro y fundición en bronce. Sus temas eran la figura humana, bodegón, paisaje, retrato y la libre creatividad (Mobil, 2002).Participó en más de 100 exposiciones personales y colectivas, entre ellas, la del Museo Regional de Chiapas -en México-, El Museo del Vaticano en Roma -Italia-, Expo 92 en Sevilla y Casa Do Brasil en Madrid -España-, entre muchas otras

Gallardo también ha dedicado parte de su tiempo a la docencia, en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de Guatemala, en la Facultad de Humanidades de la Universidad de San Carlos de Guatemala y en la Academia Gallardo de Guatemala (Díaz, 2010).

Distinciones y reconocimientos

Desde 1954 hasta la fecha, Gallardo ha recibido más de 50 reconocimientos nacionales e internacionales. En 1995 recibió la Orden del Quetzal en grado de Gran Oficial. En el año 2000 obtuvo el premio Meritorio Plástica, Arco Iris Maya y en el 2002 obtuvo el grado de Emeritissimum Universidad de San Carlos de Guatemala. Sin embargo, dentro de su hoja de vida se encuentran más reconocimientos

El Grupo Vértebra

         se formó por Marco Augusto Quiroa (1937-2004), escritor y pintor; Roberto Cabrera (1939), pintor, escultor, grabador, crí­tico de arte e investigador, y Elmar Rojas (1937), artista y arquitecto.

Este grupo se constituyó como uno de los renovadores de la plástica nacional, luego de que las condiciones sociopolí­ticas no permitieran mucha difusión del arte.

Ramón ívila, al llegar a Guatemala en 1969, se incluyó dentro de este grupo espontáneamente. Se sintió muy cómodo con esta renovación artí­stica.

El Grupo Vértebra surgió en la década de los sesenta. El 6 de marzo de 1969 fue publicado el manifiesto del Grupo Vértebra, y se presentó la primera exposición de este grupo, uno de los más importantes en la historia de la plástica guatemalteca.

Ese mismo año, en 1969, Ramón ívila participó en una muestra colectiva en la Galerí­a Vértebra, y, más tarde, realizó en la misma casa de arte una exposición individual.

César Izquierdo,

1937) es un pintor y dibujante guatemalteco que ha exhibido sus obras en más de una docena de países del mundo, tanto en exposiciones individuales como colectivas. Vivió una parte de su vida en Nicaragua (Díaz Castillo, 2010).

Vida

Izquierdo nació en Santa Cruz del Quiché, departamento del Quiché, y estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de Guatemala y en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Nicaragua (César Izquierdo expone en El Sitio, 2006).

Durante 50 años el trabajo de César Izquierdo (Santa Cruz del Quiché, 1937) ha llevado la huella de un creador con la música en la sangre.  Su padre tocaba y componía para marimba y, desde niño, supo que seguiría el camino del arte.

En 1957 presentó su primera exposición en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, ENAP, compuesta por 32 obras.  Tan sólo un año después, el Palacio de Bellas Artes de México lo invitó a exhibir tres de sus obras.  Aquel fue un gran logro para un artista novato, porque esa institución ha mantenido una línea conservadora en cuanto a selección de trabajos a exponer.

Para este maestro de la línea, experto en el manejo de técnicas difíciles como la tinta china, ese acontecimiento hizo que empezara su carrera con el pie derecho y desde entonces su labor le ha rendido frutos suculentos.  Su obra se encuentra en galerías, museos y forma parte de colecciones privadas en varias partes del mundo. 

ERWIN GUILLERMO

Es uno de los pintores guatemaltecos más relevantes en la actualidad por la originalidad de sus temas y motivos y por la maestría de su técnica. Su tía abuela paterna Wilfreda López Flores fue una importante grabadora. Graduado de Maestro de Artes Plásticas de la Escuela Nacional de Artes Plásticas Rafael Rodríguez Padilla, ha trabajado casi todas las técnicas pictóricas: el óleo, acrílico, pastel, acuarela y grabado a punta seca.

Vemos que dibuja con enorme maestría y que su manera de combinar el color es extraordinaria. Sus motivos han sido guerreros, corazas, marionetas, personajes dentro de la parodia y la alegoría, y actualmente trabaja la figura humana, rodeada de animales, frutos y objetos dentro de una narración política y simbólica. Erwin Guillermo ha configurado un vocabulario propio donde los bananos, las iguanas, las figuras femeninas, las columnas griegas, las artesanías guatemaltecas, los personajes que representan el poder se mezclan para hacer una visión propia. Su obra ha sido expresionista, y actualmente ha dado un giro simbolista, pues como todo artista, ha ido pasando por una evolución temática y formal. La calidad de sus obras se ha mantenido y ha trascendido a través del mercado. Sus hermosas y admiradas obras pueden verse en:

Sus exposiciones individuales más relevantes han sido en: El Traspatio del Paraíso, Galería Plástica Contemporáneastica, 1994, Zona Tórrida Galería Sol del Río, 1993, Obras recientes Galería EL Laberinto, San Salvador, El Salvador, 1992. Ha participado en las colectivas: Indagaciones, instalaciones, Galería Sol del Río, IV Bienal Internacional de Pintura, Cuenca, Ecuador,1994, Imaginary Presence Guatemalan Art of the 80's Mocha, New York,1989. Presencia Imaginaria, Plástica Contemporánea de Guatemala, Museo de Arte Moderno de México, 1988.

Ha trabajado como maestro de Pintura en la Escuela Nacional de Artes Plásticas Rafael Rodríguez Padilla. Sus obras se encuentran en el Museo Nacional de Arte Moderno de Guatemala, Museo Julio Cortázar (Managua, Nicaragua), Banco G &